L'Agent Double, María de los Remedios Varo

 

L'Agent Double, María de los Remedios Varo (Espanha 1908 – 1963),  óleo sobre cobre, 22 x 17 cm, 1936. 

Em 1936, eclodiu a guerra civil espanhola que durou três anos. Varo pintou a obra L'Agent Double que refletia as tensões políticas. O cenário é uma pequena sala fechada. A parede do fundo é coberta por seios femininos e uma pequena árvore frondosa. À direita, passando pela janela, um braço vermelho alongado segurando um objeto semelhante a um esperma que se contorce para uma pequena abertura escura. Na parede oposta, vemos uma figura de pé com mãos grandes, em parte homem, em parte mulher, o nariz pressionado contra a parede. Subindo nas costas desta figura está uma abelha gigante. Olhando para o chão, vemos a cabeça de uma mulher saindo de uma rachadura na superfície do chão. É o primeiro autorretrato de Varo. Muitos mais se seguiriam ao longo dos anos. Ela olha cautelosamente para fora e vemos vapor ou raízes subindo. Essa parte lembra que, quando criança e adolescente, ela costumava esconder coisas de sua família, como seus escritos e diário, sob uma pedra, no chão de seu quarto.

É fácil descrever o que vemos diante de nós, mas um pouco mais difícil entender. Durante a Guerra Civil Espanhola cerca de 200 mil pessoas morreram como resultado de assassinatos sistemáticos, violência de turbas, tortura ou outras brutalidades, entre os simpatizantes de esquerda do governo republicano, que apoiavam o governo espanhol, e os nacionalistas de direita liderados pelo general Franco. Espiões e agentes secretos de ambos os lados estavam sempre presentes. Na pintura a questão é saber quem é o agente duplo. É a figura que aparece do chão e que tem o ponto de vista perfeito para ver o que está acontecendo? Ou é a figura com o nariz encostado na parede? Ou ambos estão presos pela criatura com a mão de longo alcance? É tudo sobre armadilhas e medo de traição e agentes duplos em uma época na Espanha em que não se sabia quem era seu aliado e quem era seu inimigo. 

Fonte: mydailyartdisplay

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Ugolino e seus filhos

Ugolino e seus filhos, Jean-Baptiste Carpeaux, mármore, 197 cm altura, França, 1867. Museu Metropolitan.

O tema desta obra intensamente romântica deriva do canto 33 do pema Inferno de Dante (c. 1307), que descreve como o Conde Ugolino della Gherardesca, seus filhos e netos foram presos em Pisa em 1288 e morreram de fome. Ugolino foi preso por ter traído o jogo dos Gibelinos, favorável ao Imperador na sua luta contra o Papa. O seu rival, o arcebispo Ubaldini, é quem o condena a morrer de fome na prisão. Segundo a lenda, Ugolino teria sucumbido depois de ter comido seus filhos e netos trancados junto com ele.

Carpeaux captou a angústia do pai e o gesto generoso dos seus filhos que lhe oferecem seus próprios corpos como alimento. Carpeaux quis “expressar as paixões mais violentas associando-lhes a ternura mais delicada”, como precisa numa carta a um amigo. Cada criança representa um estágio para a morte. A expressão da dor e da angústia do pai: o rosto, as mãos e os pés crispados, a modelagem nervosa do corpo e, em particular, das costas são um testemunho do estudo atento por Carpeaux do Laocoonte antigo, e da jangada da Medusa de Géricault. O grupo escultórico também reflete a grande admiração do artista por Michelangelo, especialmente por El Juízo Final (1536–1541) na Capela Sistina, no Vaticano, bem como a sua ângulo para alcançar um realismo anatômico cheio de vigor.

A escultura causou admiração pela sua força dramática e serviria de inspiração para Rodin na hora de conceber o seu Pensador.

Algumas dessas concepções de inferno, trazidas da literatura, acabaram por ser incorporadas pela igreja.

Cristo de San Juan da Cruz

Cristo de San Juan da Cruz, Salvador Dalí, óleo sobre tela, 205 x 116 cm, 1951. Museu Kelvingrove, em Glasgow, Reino Unido.

A pintura surrealista representa Jesus Cristo na cruz flutuando num ângulo extremo em um céu escuro sobre um lago com um barco e pescadores. Embora seja uma representação da crucificação, é desprovido de pregos, sangue e da coroa de espinhos. A composição de Cristo é também baseada num triângulo, que pode ser vista como uma referência à Trindade.

Dali retrata Cristo crucificado, omitindo o seu rosto obrigando o espectador a imaginá-lo. Foi pintado de uma perspectiva pouco comum, como se o próprio Deus estivesse olhando seu filho a sofrer.

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O RELÓGIO DO PAVÃO

 

O Relógio do Pavão, século XVII, Museu Hermitage, Rússia. 

O relógio foi encomendado a James Cox em 1777, um famoso relojoeiro inglês, pelo princípe Grigory Potemkin: a obra foi um presente para a imperatriz Catarina II da Rússia para a coleção do Palácio Hermitage.

Em bom estado de funcionamento, o objeto ostenta as figuras de um pavão, um galo e uma coruja que entram em movimento a cada hora.

A coruja está associada à escuridão da noite, o galo ao sol e à luz e o pavão ao renascimento: juntos, eles representam a alternância incessante do dia e da noite. Os três pássaros pousam em um velho carvalho.

A coruja vira a cabeça para a direita e para a esquerda, fecha e abre os olhos enquanto com a pata direita acompanha o som provocado pelos sinos colocados acima da gaiola. Então o pavão se move: vira seu corpo para mostrar orgulhosamente suas penas douradas aos espectadores. O pavão então retorna à sua posição original movendo sua cauda vistosa. O galo conclui a dança dos pássaros com seu canto, que determina a transição definitiva da noite para o dia.

Além dos pássaros, a árvore é decorada com folhas de carvalho, bolotas e alguns esquilos. Na base branca, um cogumelo funciona como um mostrador de relógio. Uma pequena libélula no cogumelo funciona como um ponteiro dos segundos.

Atualmente, o relógio é acionado apenas em ocasiões especiais. 

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PALÁCIO REAL DE MYSORE

 

Palácio Real de Mysore, Índia, 1912. 

Trata-se de um complexo decorado com pinturas, fantasias, joias e outros itens importantes, mostrando o opulento estilo de vida da família real do marajá.

A dinastia Wodeyar governou por mais de cinco séculos. A grande contribuição do longo reinado é este palácio construído no século XX, que deixou de ser residência real em 1947, quando a República da Índia foi criada, e desapareceram as numerosas cortes dos marajás.

O estilo arquitetônico do palácio é comumente descrito como indo-sarraceno, combinando perfeitamente arquitetura hindu, muçulmana, Rajput e gótica, com uma estrutura de pedra de três andares, com cúpulas de mármore e torres de cinco andares de 45 metros de altura. A porta da frente e o arco seguram o emblema e o brasão do reino de Mysore, em torno do qual está escrito o lema do reino em sânscrito que significa "nunca aterrorizado".

Podem ser contempladas pinturas requintadas, piso policromado ou feito com pedras semipreciosas, vitrais maravilhosos, portas delicadas e colunas de mármore.

Esta grande jóia do patrimônio arquitetônico hindu está localizada no sul do país, no estado de Karnataka.

Seu arquiteto foi o inglês Henry Irwin, que embora maravilhado pela arte indiana, não hesitou em fundir com as formas da arquitetura muçulmana, arte gótica e prestígio das formas de Rajput.

Desta forma, o resultado é esplendoroso, tanto ao entrar nas suas salas interiores como ao observar a sua grande fachada, levantada em pedra para evitar os incêndios que haviam ocorrido noutros palácios anteriores neste mesmo lugar. As duas salas Durbar eram onde o Marajá recebia os seus visitantes para os impressionar. 

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ANDARILHO SOBRE O NEVOEIRO, CASPAR DAVID FRIEDRICH

 

Andarilho sobre o nevoeiro, Caspar David Friedrich, óleo sobre tela, 94,8 x 74,8cm, 1818. Galeria de Arte de Hamburgo, Alemanha.

Friedrich é conhecido por ter feito declarações políticas em sua pintura, muitas vezes codificadas de maneiras sutis. Essa pintura retrata um homem solitário, vestido formalmente e segurando um cajado, de pé sobre um afloramento de rochas olhando para uma extensão difícil de ser explorada. O homem solitário está parado, o cabelo está despenteado com um vento invisível, que se agita a seus pés. No fundo há um céu cheio de nuvens brancas e o contorno dos cumes das montanhas pouco visíveis através da neblina. À medida que o homem contempla a vastidão diante dele, a sublimidade da natureza é demonstrada não em uma visão calma e serena, mas no poder do que as forças naturais podem realizar.

O artista faz uma crítica velada ao governo alemão, pois o traje representado pelo homem, foi usado por estudantes e outros civis revoltosos durante as Guerras de Libertação da Alemanha. 

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GOLCONDE, RENNÉ MAGRITE

 

Golconde, René Magritte, óleo sobre tela, 81 cm × 100 cm, 1953. The Menil Collection, Houston, Texas.

Golconde é uma cidade na Índia, que foi sede de dois reinos diferentes nos séculos XIV a XVII. A riqueza da região vinha da indústria de diamantes e tornou-se tão lendária que seu nome passou a ser sinônimo de mina da riqueza.

Nessa obra o artista retrata uma cena de "chuva de homens", quase idênticos uns aos outros vestidos com sobretudos escuros e chapéus coco, que parecem cair como gotas de chuva ou estarem flutuando. O cenário apresenta edifícios com telhado vermelho e um céu azul, dando a entender que os homens não estão chovendo. Eles estão distribuídos verticalmente em uma rede diagonal. Magritte vivia em um ambiente suburbano semelhante e vestia-se desse modo.

Magritte estava fascinado pela sedução das imagens. Normalmente, você vê algo e acredita no que enxerga. Mas o artista sabia que representações de uma coisa podem mentir. Essas são imagens de homens e não então não precisam seguir qualquer regra. A pintura é divertida, mas também nos indica a falsidade das representações. É uma pintura, não precisa ser real, pode ser surreal.

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