Ascensão de Jesus, Giotto

 

Ascensão de Jesus, Giotto, 200 x 185 cm, afresco na Capela Scrovegni, 1303. Pádua, Itália.

A representação da Ascensão de Cristo aparece com frequência na arte e na iconografia do Renascimento. Datado do início dos anos 1300, o Cristo de Giotto di Bondone permanece fiel à representação tradicional do filho de Deus alcançando os céus. Mas ao contrário de muitas obras de arte de um período semelhante, seu Cristo é uma figura totalmente realizada, não apenas um ideal romantizado. Em A Ascensão é quase como se as mãos de Cristo estivessem perfurando o afresco até o céu.

A Ascensão de Giotto é apresentada como uma produção teatral, com anjos assistindo de baixo junto com a Virgem Maria e onze Apóstolos. O lugar de Judas como décimo segundo apóstolo é omitido, pois ele já havia tirado a própria vida neste ponto do texto. O turbulento fundo azul dá à pintura uma sensação de naturalismo e maior profundidade. Ele atrai o espectador e captura o movimento da cena.

Como o azul era um pigmento caro na época, Giotto também o usa liberalmente para pintar a Virgem Maria, apropriado devido ao seu status na cena. O efeito geral do afresco é suntuosamente rico e delicadamente frágil ao mesmo tempo. Normalmente, ao pintar afrescos, Giotto trabalhava enquanto o reboco ainda estava úmido. No entanto, A Ascensão foi pintada em gesso seco. Embora isso aumente a vibração das cores, isso significa que, com o tempo, o afresco se deteriorou até certo ponto, pois os afrescos pintados a seco são muito mais frágeis do que os pintados quando molhados. A pintura faz parte de um corpo maior de obras de Giotto e aparece entre suas representações de A Ressurreição de Cristo e Pentecostes.

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Isabelle de Julian Voss-Andreae

Isabelle, Julian Voss-Andreae, aço inoxidável, 3,70 x 3,70 x 3,00 m, 2018. EUA.

Esta obra foi criada pelo escultor alemão Julian Voss-Andreae (1970). Ele tem formação em física quântica e trabalha com um novo tipo de “realismo”, que pode ser chamado de “realismo científico”.

A obra é composta de várias lâminas de aço inoxidável, criando uma ilusão visual que molda o corpo de uma mulher. Quando o observador olha de todos os ângulos, a escultura em um determinado ponto "desaparece" da vista.

L'Agent Double, María de los Remedios Varo

 

L'Agent Double, María de los Remedios Varo (Espanha 1908 – 1963),  óleo sobre cobre, 22 x 17 cm, 1936. 

Em 1936, eclodiu a guerra civil espanhola que durou três anos. Varo pintou a obra L'Agent Double que refletia as tensões políticas. O cenário é uma pequena sala fechada. A parede do fundo é coberta por seios femininos e uma pequena árvore frondosa. À direita, passando pela janela, um braço vermelho alongado segurando um objeto semelhante a um esperma que se contorce para uma pequena abertura escura. Na parede oposta, vemos uma figura de pé com mãos grandes, em parte homem, em parte mulher, o nariz pressionado contra a parede. Subindo nas costas desta figura está uma abelha gigante. Olhando para o chão, vemos a cabeça de uma mulher saindo de uma rachadura na superfície do chão. É o primeiro autorretrato de Varo. Muitos mais se seguiriam ao longo dos anos. Ela olha cautelosamente para fora e vemos vapor ou raízes subindo. Essa parte lembra que, quando criança e adolescente, ela costumava esconder coisas de sua família, como seus escritos e diário, sob uma pedra, no chão de seu quarto.

É fácil descrever o que vemos diante de nós, mas um pouco mais difícil entender. Durante a Guerra Civil Espanhola cerca de 200 mil pessoas morreram como resultado de assassinatos sistemáticos, violência de turbas, tortura ou outras brutalidades, entre os simpatizantes de esquerda do governo republicano, que apoiavam o governo espanhol, e os nacionalistas de direita liderados pelo general Franco. Espiões e agentes secretos de ambos os lados estavam sempre presentes. Na pintura a questão é saber quem é o agente duplo. É a figura que aparece do chão e que tem o ponto de vista perfeito para ver o que está acontecendo? Ou é a figura com o nariz encostado na parede? Ou ambos estão presos pela criatura com a mão de longo alcance? É tudo sobre armadilhas e medo de traição e agentes duplos em uma época na Espanha em que não se sabia quem era seu aliado e quem era seu inimigo. 

Fonte: mydailyartdisplay

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Ugolino e seus filhos

Ugolino e seus filhos, Jean-Baptiste Carpeaux, mármore, 197 cm altura, França, 1867. Museu Metropolitan.

O tema desta obra intensamente romântica deriva do canto 33 do pema Inferno de Dante (c. 1307), que descreve como o Conde Ugolino della Gherardesca, seus filhos e netos foram presos em Pisa em 1288 e morreram de fome. Ugolino foi preso por ter traído o jogo dos Gibelinos, favorável ao Imperador na sua luta contra o Papa. O seu rival, o arcebispo Ubaldini, é quem o condena a morrer de fome na prisão. Segundo a lenda, Ugolino teria sucumbido depois de ter comido seus filhos e netos trancados junto com ele.

Carpeaux captou a angústia do pai e o gesto generoso dos seus filhos que lhe oferecem seus próprios corpos como alimento. Carpeaux quis “expressar as paixões mais violentas associando-lhes a ternura mais delicada”, como precisa numa carta a um amigo. Cada criança representa um estágio para a morte. A expressão da dor e da angústia do pai: o rosto, as mãos e os pés crispados, a modelagem nervosa do corpo e, em particular, das costas são um testemunho do estudo atento por Carpeaux do Laocoonte antigo, e da jangada da Medusa de Géricault. O grupo escultórico também reflete a grande admiração do artista por Michelangelo, especialmente por El Juízo Final (1536–1541) na Capela Sistina, no Vaticano, bem como a sua ângulo para alcançar um realismo anatômico cheio de vigor.

A escultura causou admiração pela sua força dramática e serviria de inspiração para Rodin na hora de conceber o seu Pensador.

Algumas dessas concepções de inferno, trazidas da literatura, acabaram por ser incorporadas pela igreja.

Cristo de San Juan da Cruz

Cristo de San Juan da Cruz, Salvador Dalí, óleo sobre tela, 205 x 116 cm, 1951. Museu Kelvingrove, em Glasgow, Reino Unido.

A pintura surrealista representa Jesus Cristo na cruz flutuando num ângulo extremo em um céu escuro sobre um lago com um barco e pescadores. Embora seja uma representação da crucificação, é desprovido de pregos, sangue e da coroa de espinhos. A composição de Cristo é também baseada num triângulo, que pode ser vista como uma referência à Trindade.

Dali retrata Cristo crucificado, omitindo o seu rosto obrigando o espectador a imaginá-lo. Foi pintado de uma perspectiva pouco comum, como se o próprio Deus estivesse olhando seu filho a sofrer.

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